Les bases essentielles à connaître avant de se lancer en photographie
La photographie est un art captivant qui permet de figer des moments uniques et de les transformer en souvenirs éternels. Ça fait un peu la phrase très clichée que l’on entend partout mais au final c’est un peu pour ça qu’on fait de la photo, pour créer des souvenirs et transmettre des messages. Si vous débutez en photographie, il est important de comprendre les bases techniques et artistiques pour maximiser votre potentiel. Je n’ai jamais fais d’école photo, c’est pourquoi je vais vous présenter, avec mes mots, dans cet article les éléments essentiels à connaître avant de vous lancer dans cette aventure passionnante.
1 - Comprendre le triangle d'exposition en photo
Le triangle d'exposition est un peu le concept fondamental en photographie qui vous permet de contrôler la quantité de lumière qui atteint le capteur de votre appareil photo. En comprenant comment ajuster les 3 paramètres que sont l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO, vous pouvez manipuler l'exposition de vos images pour obtenir la photo que vous voulez.
L’ouverture
Qu'est-ce que l'ouverture ?
L'ouverture fait référence à la taille d’ouverture du diaphragme de l'objectif à travers laquelle la lumière passe pour atteindre le capteur de l'appareil photo. Elle est exprimée en valeurs f, telles que f/1.8, f/2.8, f/4, etc. Ici il faut une petite gymnastique de l’esprit puisque plus le nombre f est petit, plus l'ouverture est grande.
Comment l'ouverture influence-t-elle vos photos ?
Quantité de lumière : Une grande ouverture (par exemple, f/1.8) permet à plus de lumière d'atteindre le capteur, ce qui est utile dans des conditions de faible luminosité (notamment pour les photos d’étoiles). À l'inverse, une petite ouverture (par exemple, f/16) laisse entrer moins de lumière.
Profondeur de champ : La profondeur de champ représente la zone de netteté devant et derrière votre sujet. Avec une grande ouverture (petit f/), la profondeur de champ est réduite, ce qui veut dire que le sujet sera net tandis que l'arrière-plan est flou. C'est idéal pour les portraits où vous souhaitez isoler le sujet. Avec une petite ouverture (grand f/), la profondeur de champ est plus large, rendant l'ensemble de la photo nette, ce qui est souvent souhaitable en photographie de paysage.
Exemple pratique :
Portraits : Pour obtenir un joli flou d'arrière-plan (encore appelé effet bokeh), choisissez une grande ouverture, comme f/1.8 ou f/2.8. Aussi pour capter beaucoup de lumière en situation de basse lumière (pour les étoiles par exemple) préférez toujours la plus grand ouverture possible.
Paysages : Pour que tout dans la scène soit net, choisissez une petite ouverture, comme f/11 ou f/16.
La vitesse d’obturation
Qu'est-ce que la vitesse d'obturation ?
La vitesse d'obturation détermine combien de temps le capteur de l'appareil photo est exposé à la lumière. Elle est mesurée en secondes ou fractions de seconde (par exemple, 1/250 s, 1/60 s, 1/2 s).
Comment la vitesse d'obturation influence-t-elle vos photos ?
Gel du mouvement : Une vitesse d'obturation rapide (par exemple, 1/1000 de seconde) est idéale pour figer des actions rapides, comme un athlète en mouvement ou un oiseau en vol.
Effet de flou : Une vitesse d'obturation lente (par exemple, 1/10 de seconde ou plus) permet de capturer le mouvement sous forme de flou. Cela peut être utilisé de manière créative pour montrer le mouvement, comme les traînées de lumière des voitures ou le mouvement de l'eau dans une rivière.
Exemple pratique :
Sports : Utilisez une vitesse d'obturation rapide, comme 1/1000 de seconde, pour capturer des actions nettes.
Photographie de nuit : Une vitesse d'obturation plus lente, comme 1/30 ou même plusieurs secondes, peut être utilisée pour capturer les détails en basse lumière, mais nécessite souvent un trépied pour éviter le flou de bougé.
La sensibilité ISO
Qu'est-ce que l'ISO ?
L'ISO mesure la sensibilité du capteur de votre appareil photo à la lumière. Les valeurs ISO vont généralement de 100 à 6400 mais peuvent parfois monter jusqu’à 51 200 (comme sur le Nikon Z6II). Il faut simplement imaginer que les photosites qui composent votre capteur peuvent être plus ou moins sensibles à la lumières qu’ils recoivent.
Comment l'ISO influence-t-elle vos photos ?
Conditions de faible luminosité : Une valeur ISO élevée (comme 3200 ou 6400 ) augmente la sensibilité à la lumière, ce qui est utile en basse lumière. Cependant, cela peut introduire du bruit (un grain indésirable) dans l'image.
Qualité d'image : Une valeur ISO basse (comme 100 ou 200) donne généralement une image plus propre, avec moins de bruit, ce qui est idéal en plein jour ou dans des environnements bien éclairés.
Exemple pratique :
En extérieur, en pleine lumière : Utilisez l’ISO la plus basse possible (idéalement celle native de votre appareil), comme 100 ou 200, pour des images nettes et sans bruit.
En intérieur ou de nuit : Augmentez l'ISO, mais soyez conscient que des valeurs trop élevées peuvent diminuer la qualité de l'image (sauf s’il s’agit là d’un effet recherché).
L’équilibre du triangle d’exposition
L'élément clé pour maîtriser l'exposition est de comprendre comment ces trois paramètres interagissent. Si vous changez l'un des côtés du triangle, les autres doivent souvent être ajustés pour maintenir une bonne exposition.
Exemples d'ajustements :
Si vous augmentez l'ISO pour capturer une scène sombre, vous pouvez compenser en réduisant la vitesse d'obturation ou en augmentant l'ouverture pour éviter le bruit.
Si vous choisissez une grande ouverture pour obtenir un flou d'arrière-plan, vous devrez peut-être augmenter la vitesse d'obturation pour éviter une surexposition.
Si vous utilisez une vitesse d'obturation lente pour capturer un effet de mouvement, vous devrez peut-être réduire l'ISO ou fermer l'ouverture pour éviter que l'image ne soit trop lumineuse.
Comprendre et maîtriser le triangle d'exposition est essentiel pour tout photographe. En pratiquant et en expérimentant avec ces paramètres, vous développerez une intuition pour savoir quand et comment les ajuster pour obtenir les résultats souhaités. Plus vous comprendrez cette relation entre l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO, plus vous serez capable de créer des images techniquement réussies et artistiquement captivantes, et pourquoi pas transgresser les règles pour créer ce qui vous plait vraiment.
2 - Maîtriser la composition
La composition est l'un des aspects les plus essentiel en photographie, car elle détermine la manière dont les éléments qui composent l’image sont organisés. Une bonne composition peut transformer une scène ordinaire en une photo captivante et mémorable. Voici les principes clés à comprendre pour maîtriser l'art de la composition. Ici encore ce sont des règles de base concernant la composition, rien ne vous empêche, une fois que vous maîtrisez toutes les règles de base, de transgresser ces règles pour créer quelque chose de nouveau et qui vous ressemble.
La règle des tiers
Qu'est-ce que la règle des tiers ?
La règle des tiers est l'un des principes de composition fondamental en photographie. Cela consiste à diviser une image en neuf parties égales en traçant deux lignes horizontales et deux lignes verticales imaginaires. Les points d'intersection de ces lignes sont les endroits où les éléments importants de votre image devraient idéalement se trouver, ou du moins au plus proche des intersections. En effet ce sont les points où le regard vient naturellement se poser. Dans mon exemple j’ai essayé de placer mon sujet au plus proche du point en bas à droite afin de donner un effet de profondeur en opposition avec la montagne en arrière plan sur le point en haut à gauche. Mon sujet me permet ici aussi de faire comprendre à l’observateur le rapport d’échelle disproportionné qu’il y a entre le sujet et l’environnement dans lequel il évolue.
Pourquoi utiliser la règle des tiers ?
Équilibre visuel : Placer le sujet principal sur l'une des lignes de tiers, plutôt qu'au centre, crée un équilibre naturel qui est souvent plus agréable à l'œil.
Dynamisme : La règle des tiers donne une sensation de dynamisme à la photo, en opposition à une composition centrée qui peut parfois paraître statique (mais selon ce qu’on veut exprimer différents types de composition peuvent fonctionner).
Exemple pratique :
Portraits : Placez les yeux du sujet sur l'une des lignes horizontales pour attirer immédiatement l'attention du spectateur.
Paysages : Placez l'horizon sur la ligne du tiers supérieur ou inférieur pour donner plus d'importance soit au ciel, soit au sol.
Les lignes directrices
Qu'est-ce que les lignes directrices ?
Les lignes directrices sont des éléments dans la scène qui conduisent le regard du spectateur vers un point particulier de l'image. Ces lignes peuvent être naturelles (comme des rivières, des routes, des chemins, des ponts) ou créées par des objets (comme des clôtures ou des ombres). Sur l’exemple ci-dessous le regard vient naturellement suivre le tracé du chemin pour finir par se poser sur la ligne d’arbre et la montagne en arrière plan.
Pourquoi utiliser les lignes directrices ?
Direction du regard : Les lignes directrices orientent l'œil du spectateur, l'amenant naturellement vers le sujet principal de la photo.
Profondeur : Elles peuvent également créer un sentiment de profondeur en donnant de la perspective à l'image.
Exemple pratique :
Architecture : Utilisez des lignes de fuite dans des bâtiments pour guider l'œil vers un point central.
Paysage : Une route sinueuse ou un sentier de montagne peut mener l'œil du spectateur à travers la photo, créant une expérience immersive.
L’espace négatif
Qu'est-ce que l'espace négatif ?
L'espace négatif fait référence aux zones de la photo qui sont volontairement laissées vides ou avec peu de détails. Il est utilisé pour mettre en valeur le sujet principal et créer une sensation d'équilibre et de simplicité.
Pourquoi utiliser l'espace négatif ?
Focus sur le sujet : En éliminant les distractions, l'espace négatif permet de concentrer toute l'attention sur le sujet principal.
Simplicité et minimalisme : L'espace négatif peut également renforcer l'impact visuel de la photo en apportant une certaine élégance et simplicité.
Exemple pratique :
Portraits : Placez le sujet sur un fond uni ou avec peu de détails pour le faire ressortir.
Photographie de produits : Laisser beaucoup d'espace autour du produit peut le rendre plus attrayant et le placer au centre de l'attention.
D’autres règles de composition
Il existe un infinité de possibilités différentes pour composer son image, cela va beaucoup dépendre de l’émotion ou de l’histoire que l’on veut transmettre. On pourrait étoffer cette partie en évoquant par exemple le cadre naturel (utiliser les éléments du décors afin de créer un cadre), la symétrie (placer son sujet au centre), l’asymétrie (désaxer son sujet afin de créer un sentiment de déséquilibre), la règle des triangles (beaucoup utilisé en architecture pour créer de la perspective), la contreplongée ou la plongée (pour donner de l’importance au sujet ou au contraire le noyer dans son environnement), ou même la règle du nombre d’or (créant un “spirale” dans l’image pour accompagner le regard)…
Quoiqu’il en soit maîtriser la composition en photo demande de la pratique et une sensibilité artistique (qui se travaille à force de pratiquer). En appliquant ces quelques principes de composition, vous pouvez transformer vos images en œuvres visuellement captivantes. La composition n'est pas seulement une question de technique, mais aussi d'intuition et de créativité. N'hésitez pas à expérimenter avec ces règles et à les adapter à votre style et selon vos envies.
4 - Choisir le bon équipement
En photographie, le matériel joue un rôle important dans la qualité de vos images, mais heureusement il ne fait pas tout. Comme expliqué au-dessus, avoir un bon œil, comprendre la lumière et la composition sont tout aussi essentiels. Néanmoins, bien choisir son équipement peut faciliter l'apprentissage et l'expression créative. Voici un guide rapide pour vous aider à choisir le bon équipement en fonction de vos besoins et de votre budget. D’ailleurs je vais beaucoup parler de Nikon parce que je ne connais que cette marque, libre à vous de faire vos propres recherches si vous souhaiter partir sur une autre marque. Il faut savoir que quand on choisit une marque généralement on reste assez longtemps avec elle car les objectifs ne sont pas interchangeables entre les différents constructeurs. Il est donc très onéreux de changer de marque car il faudra refaire tout son parc d’objectifs.
L’appareil photo
Les deux types d’appareils les plus utilisés par les photographes amateurs et professionnels sont les appareils DSLR (aussi appelé Reflex) et les Mirrorless (aussi appelés hybrides). Ces derniers sont assez récents sur le marché et donc forcément plus chers. Il existe aussi des appareils photos argentiques (avec la pellicule et tout ça) mais il est très rare de débuter sur ce genre d’appareil puisqu’il faut une bonne connaissance de la photo.
DSLR (Digital Single-Lens Reflex) : Les appareils reflex utilisent un miroir pour refléter l'image vue à travers l'objectif dans le viseur optique. Ils sont robustes, offrent une excellente qualité d'image et une vaste gamme d'objectifs. Cependant, ils sont généralement plus lourds et encombrants que les appareils sans miroir.
Appareils Mirrorless : Contrairement aux reflex, les appareils sans miroir ne disposent pas de miroir pour transmettre l'image au viseur. Cela les rend souvent plus compacts et légers. Ils offrent une qualité d'image comparable aux reflex et de nombreuses options d'objectifs. La durée de vie de la batterie peut être plus courte, mais ils sont souvent dotés de fonctionnalités technologiques plus avancées (comme des viseurs électroniques et une meilleure performance en vidéo).
Pour ma part j’ai fait mes tout premiers pas en photo en étant petit sur un appareil argentique Canon de ma mère. Mais c’est grâce à ma copine et son Nikon D5200 que j’ai vraiment décidé de me mettre à la photo, il s’agissait d’un appareil avec un capteur de taille moyenne (APS-C), et c’est avec lui que j’ai réellement pris goût à la création d’images et que j’ai pu travailler mon œil de photographe. Avec ce boîtier j’avais à ma disposition 3 objectifs un 17-35mm, un 35mm et un 70-300mm, mais on reviendra sur les objectifs plus tard. Par la suite j’ai eu envie d’intégrer la vidéo à ma pratique et par chance cela coïncidait à peu près avec la volonté de Nikon de créer des appareils hybrides (mirrorless) de qualité autant en photo qu’en vidéo, cela m’a permis de me mettre à la vidéo sans changer de marque. Je me suis donc fait plaisir avec un Nikon Z6II, mon premier appareil avec son capteur plein format et un objectif 24-70mm.
Les critères à prendre en compte pour faire son choix :
Votre niveau d'expérience : Si vous débutez, un appareil photo d'entrée de gamme, qu'il soit reflex ou hybride, avec un mode manuel vous permettra de progresser à votre rythme.
Votre budget : Les appareils reflex d’entrée de gamme comme le Nikon D3500 ou le Canon EOS Rebel T7i sont souvent plus abordables. Les appareils mirrorless comme le Sony Alpha A6100 ou le Fujifilm X-T200 sont également de bonnes options pour commencer.
Vos besoins spécifiques : Si vous avez l’intention de faire de la photographie de rue, un appareil léger et compact, comme un hybride, sera plus pratique. Si vous êtes plutôt orienté vers la photographie de nature ou de sport, un reflex robuste avec une bonne autonomie et des options de téléobjectif sera plus adapté (et encore que dernièrement les hybrides ont fait de sacré bons en avant et possèdent une meilleure autonomie et sont aussi moins fragiles).
Les objectifs
L'objectif a un impact direct sur la qualité et le style de vos images. Choisir le bon objectif dépend beaucoup du type de photographie que vous souhaitez pratiquer, plutôt un zoom et téléobjectif pour de la photo sportive ou animalière, plutôt une focale fixe pour du portrait etc…
Les objectifs les plus courants :
Objectif standard (18-55 mm ou 24-70 mm) : Ces objectifs sont souvent ceux qui sont vendus en kit avec le boîtier, il sont parfait pour débuter en raison de leur polyvalence. Ils sont idéaux pour la photo de paysage, pour débuter en portrait … Excellents pour se faire la main, seulement en évoluant on peut se sentir limité surtout parce que souvent le diaphragme ne permet pas une très grande ouverture.
Objectif focale fixe (50 mm) : Un objectif 50 mm offre un angle de vue similaire à celui de l’œil humain (ou 35mm dans le cas d’un capteur APS-C), ce qui le rend parfait pour les portraits, les paysages urbains, et même certaines photos de rue. De plus, il est généralement lumineux (par exemple, f/1.8), ce qui permet de photographier dans des conditions de faible luminosité tout en offrant un joli flou d’arrière-plan (bokeh).
Objectif grand-angle (16-35 mm ou même moins) : Idéal pour la photographie de paysage, d'architecture, et d'intérieur, le grand-angle permet de capturer de vastes scènes. Attention à la distorsion qu'il peut provoquer, notamment sur les bords de l’image.
Téléobjectif (70-300 mm ou plus) : Ce type d’objectif est parfait pour photographier des sujets éloignés, comme en photo animalière ou sportive. Il permet de capturer des détails nets à grande distance, mais il est souvent plus encombrant et nécessite un trépied ou une bonne stabilité pour éviter le flou.
Objectif macro (100 mm) : Si vous êtes passionné par la photographie de détails, de fleurs, d'insectes ou d'autres petits objets, un objectif macro permet de capturer des sujets avec une netteté exceptionnelle à des distances très rapprochées.
Remarque : Si vous ne voulez pas investir immédiatement dans plusieurs objectifs, un zoom polyvalent (18-55 mm ou 24-70 mm) est une bonne option pour débuter. Il vous offre une flexibilité dans les distances focales, ce qui vous permet d’expérimenter différents styles de photographie.
Les accessoires
Au-delà de l’appareil photo et des objectifs, certains accessoires peuvent grandement améliorer votre expérience de prise de vue.
Le trépied : Un trépied est indispensable pour les photographies de longue exposition, comme la photographie de nuit ou de paysage. Il offre une stabilité qui évite le flou de bougé et permet de cadrer précisément. Un trépied léger mais solide comme par exemple le Manfrotto Befree est un excellent choix pour débuter, mais au début tout trépied fera l’affaire.
Filtres d’objectif : Les filtres UV, ND et polarisants peuvent améliorer la qualité de vos images en contrôlant la lumière qui entre dans votre objectif. Par exemple, un filtre ND assombri l’image et peut donc être utile (et même indispensable en vidéo) pour les longues expositions en plein jour, tandis qu’un filtre polarisant réduit les reflets sur l’eau ou le verre.
Carte mémoire : Optez pour une carte mémoire rapide et de grande capacité (au minimum 32 Go) pour stocker vos photos en haute résolution. Les cartes SD UHS-II sont souvent recommandées pour leur vitesse d'écriture élevée, idéale si vous prenez beaucoup de photos en rafale ou si vous filmez en 4K. Pour ma part, chez Nikon j’ai des cartes XQD qui sont connues pour avoir une fiabilité exemplaire.
Sac de transport : Protéger votre matériel est essentiel. Un sac dédié à la photographie, comme ceux de Lowepro, Peak Design ou même F-stop, offre des compartiments rembourrés pour vos objectifs et accessoires, tout en étant confortable à transporter.
Batteries supplémentaires : Les appareils photo consomment rapidement de l’énergie, surtout si vous faites de la vidéo ou l’utilisez tout au long de la journée. Avoir une ou deux batteries (ou même plus) de rechange est un atout pour ne jamais manquer de charge pendant une session photo.
Le cas spécifique de la vidéo
Avec l'essor des réseaux sociaux et de la création de contenu en ligne, de plus en plus de photographes s'intéressent également à la vidéo. Si vous envisagez d’explorer le monde de la vidéo en plus de la photographie, voici quelques aspects à considérer :
Qualité vidéo : Recherchez un appareil photo qui offre une résolution vidéo 4K ou au moins Full HD.
Stabilisation d’image : La stabilisation d'image (intégrée dans l’appareil ou dans l'objectif) est cruciale pour obtenir des vidéos fluides, en particulier si vous filmez à main levée.
Entrée micro et prise casque : Ces deux options sont importantes si vous envisagez d'enregistrer un son de qualité directement depuis l'appareil.
Choisir le bon équipement est une étape importante dans votre parcours de photographe, mais rappelez vous bien qu'il ne s'agit pas uniquement du matériel. La créativité, la pratique et l'expérimentation sont tout aussi essentielles. Commencez par un équipement qui correspond à vos besoins et à votre budget, et développez vos compétences progressivement. Votre matériel évoluera avec vous à mesure que vous affinerez votre style et que vos compétences se développeront.
5 - Pratiquer pratiquer pratiquer
Comme pour toute discipline artistique, la photographie demande de la pratique et de la persévérance. La théorie est importante, mais c’est en mettant vos connaissances en action, en expérimentant et en apprenant de vos erreurs que vous développerez votre propre style et affinerez votre œil de photographe.
La première règle de la pratique est de prendre votre appareil photo et de sortir. Plus vous photographiez, plus vous apprenez à connaître votre équipement et ses possibilités. Cherchez des occasions pour sortir de votre zone de confort et capturer des scènes diverses : portraits, paysages, scènes de rue, photos de nuit, etc.
Vous trouverez dans l’article La panne d'inspiration chez les créatifs : comprendre et surmonter des idées de petits défis à vous lancer à vous même pour pratiquer plus et toujours rester inspiré.
Un excellent moyen de progresser en photographie est de vous lancer dans des projets personnels. Ces projets vous donnent un objectif à atteindre et vous poussent à être créatif. Capturer simplement des thématiques qui vous inspirent, pour moi c’est la nature je ne part jamais en rando sans mon appareil. Je trouve qu’il y a une profonde démarche artistique (et poétique) dans le fait de marcher, à chaque pas le paysage évolue et permet un nouveau regard. La nature dans sa simplicité force au respect et à la remise en question, c’est ce qui m’inspire et me donne envie de créer toujours plus.
6 - Le post-traitement
Le post-traitement est une étape cruciale du processus photographique. Bien que la prise de vue soit essentielle, l'édition de vos photos vous permet de sublimer vos images, de les personnaliser et de corriger les imperfections. Cependant, le post-traitement doit être utilisé avec subtilité pour mettre en valeur l'image sans la dénaturer. Voici un guide pour maîtriser l'art du post-traitement et faire ressortir le meilleur de vos photos.
Ce sujet fera surement l’objet d’un autre article c’est pourquoi je me permet de ne pas trop développer ici (l’article est suffisamment long comme ça).
Conclusion
Se lancer dans la photographie, c’est bien plus qu’un simple passe-temps ou une technique à maîtriser ; c’est un voyage qui vous permettra d’explorer le monde qui vous entoure à travers un nouvel objectif. Au fil du temps, vous apprendrez non seulement à dompter votre matériel et à perfectionner vos compétences techniques, mais aussi à affiner votre regard, à comprendre la lumière, et à exprimer votre vision personnelle.
La photographie est un mélange subtil d’art et de science. Les bases techniques comme le triangle d’exposition, la composition, et le post-traitement sont essentielles pour créer des images de qualité. Cependant, elles ne sont que les fondations sur lesquelles repose votre créativité. Plus vous pratiquez et expérimentez, plus vous découvrirez les aspects de ce qui vous inspire et qui reflète votre style.
